О стиле художника
*картинка не моя
На эту тему действительно можно рассуждать очень долго и так ни к чему и не прийти. Четко узнаваемый «фирменный» стиль художника действительно делает его запоминающимся, и как следствие — более продаваемым. И да — действительно может привести в тупик, когда заказчику постоянно нужен только один этот твой стиль, а все остальное нет. огромное количество «за» и «против» собрано в статье (http://miu-mau.org/text/58.html) на сайте miumau и ни к какому выводу многочисленные спорщики, как и сама автор так и не приходят.
Может быть, конечно, мой взгляд на этот вопрос несколько идеалистичен… НО — по-моему спор этот, хоть и сложный, но возник, если честно, на пустом месте. Я в таких случаях всегда вспоминаю своих любимых импрессионистов (и постимпрессионистов в кучу — переход между стилями был, а художники остались прежними). У каждого из них был свой собственный четкий стиль и перепутать Гогена с Ренуаром, или Сезанна с Монэ невозможно. И никто из них не зашорился на заезженных приемах, не впал в кризис от невозможности свободно творить вне рамок стиля и. в общем, ничего такого с ними не произошло. Хотя все они очень хорошо относились к экспериментам в живописи, осваивали новые материалы, техники, их сочетания… Художник просто рисовал и стиль его был так же естественен как почерк, который можно изменить и доработать, но он всегда только твой и отражает только тебя. Не смотря на то что есть «ранний» и «поздний» Монэ — это все равно он. Один. И с этим невозможно спорить. Художник занимается ТВОРЧЕСТВОМ и поэтому востребован.
Стиль же иллюстратора воспринимается почему-то как смирительная рубашка — шаг влево- шаг вправо — расстрел на месте. Хотя здесь по-моему имеет место типичная путаница причины и следствия. Если ты пришел к какому-то стилю ЧТОБЫ продаваться, конечно тебе будет в нем тесно и неуютно. И творчество дальше штампов не пойдет.
Как сказал один умный человек (Олег Пащенко) : «Любить красоту больше, чем бабло, которое можно за неё выручить — вот залог победы.»
Больная тема. :)
На самом деле у иллюстраций есть рамки и довольно тесные, здесь существует множество законов, продиктованных полиграфией и потому полная свобода может быть только в живописных полотнах — там можно себе позволить что угодно! В иллюстрации (если она предназначена для печати) важен материал, например белила при сканировании могут дать пятна, люминисцентные краски вообще просядут, всякий золотой актил будет на печати просто тёмной краской. Много ещё чего, не говорю уже о композиции полос — левая, правая. Так что иллюстрация это не вольница, а сплошные рамки.
ну это касается непосредственно печати) к тому же всегда можно профессионально сфотографировать работу (с образцами цветов и с правильного ракурса, это иногда гораздо лучше сканирования) и в процессе допечатной подготовки устранить технические дефекты.
Здесь речь идет скорее о творческом стиле художника, о котором почему-то много споров.
Алёна фотографировать иллюстрацию для печати? Зачем? Равномерного освещения не добъётесь, чёткости тоже. Для этого существуют профессиональные сканеры. А стиль — он у каждого свой — как отпечаток пальца. Отсутствие стиля — тоже стиль.
Я не знаю насчет сканеров, у меня к сожалению непрофессиональный. Просто я верстала книгу — подборку работ художников из разных стран (русских в основном в эмиграции) и там большинство картин было именно сфотографированно — ну не любителями, конечно. С раскладкой цветов чтобы было удобно делать цветокоррекцию, со стойки строго напротив картины и с рассеянным освещением. Мне кажется, если пишешь живыми красками вроде масла или акрила (и тем более сложно же уложиться маслом в формат А4-А3, оно требует размаха) то этот выход более приемлем:)
истинно так.
хорошо написано
порадовало)
а то этот вопрос вечно покоя не дает
*порадовалась и пошла дальше фигачить не в своем стиле, а что хочется)